Tom et David sont deux flics-co-équipiers new-yorkais (plus tout jeunes) et aussi amis alavialamort depuis des lurettes. Un tueur en série laisse des poèmes sur ses victimes : ça les agace, ils sont là pour faire régner la loi et l’ordre tout de même. L’enquête les mène à l’idée que peut-être éventuellement le tueur serait flic. Ça les énerve vraiment.

Que peut-on attendre d’un film au titre aussi con, à l’affiche aussi moche et au sous-titre aussi ringard « La plupart des gens respectent l’insigne. Tout le monde respecte le flingue » ? Eueueuh, je sais pas moi, revoir Bob et Al ensemble peut-être ? Bingo ! Sauf que la rencontre mythique a déjà eu lieu et que donc là, il ne reste pas grand-chose à voir même si incontestablement Al (qui n’en est plus à une fantaisie capillaire) semble se donner un mal de chien pour apporter un semblant de connivence au duo alors que Bob grimace à se faire péter les maxillaires. Les deux stars grasses du bide et plissées comme des shar-peïs se tapent dans le dos, se font des sourires, des clins d’œil, se disent qu’ils s’aiment, qu’ils s’admirent, que l’un est le modèle de l’autre et si tu crois pas celle-là, je t’en raconterai une autre... Au début, c’est marrant et puis ça devient consternant. La scène finale qui essaie tant bien que mal (plutôt mal évidemment) de lorgner du côté de « Heat » est grotesque.

Quant à l’histoire, quand on y comprend quelque chose, on s’en cogne. Pour ceux qui iraient quand même assister au naufrage de ces deux stars qu’on a tant aimées, vous pouvez toujours chercher à décider laquelle des deux vieillit le plus mal… Moi je dis Robert.

P.S. : en dernier recours vous pouvez aussi tenter de trouver de quel mot AVNET (nom du réalisateur) est l'anagramme...

Moi “allenienne” de la première (ou de la deuxième...) heure, qui ai tout vu, tout absorbé de Woody, qui ai toujours clamé qu’un « petit » Woody était quand même TOUJOURS nettement au-dessus de la production générale, je déclare ne pas avoir aimé ce « Vicky Cristina Barcelona » (quel titre couillon aussi, j’aurais dû me méfier). En fait, c’est impossible que je me méfie car je vais voir TOUS les Woody, comme tous les films de certains autres, quasiment les yeux fermés… enfin, je me comprends. Disons que je ne lis rien et me fiche comme d’une guigne de ce que le monde en pense. J’y vais, c’est Woody. Cette fois, la seule, la première, la dernière j’espère, ce n’est même pas que je me sois endormie, pire : je me suis ennuyée. Et ferme, et assez rapidement.

Pourtant je crois que j’ai bien compris l’histoire, de toute façon au moindre doute, une insupportable et quasi ininterrompue voix off est là en permanence pour expliquer ce qui se passe à l’écran, ce que les personnages pensent, croient, imaginent, espèrent. Ça peut aider mais quand tout est aussi linéaire, ça agace plutôt. C’était pour moi EXASPÉRANT.

J’ai compris que l’amour c’est pas rose tous les jours, qu’il faut faire des choix, qu’on ne fait pas toujours les bons, que dans ce cas on risque de passer une vie de tristesse et que même quand on est sûr de ce qu’on ne veut pas, on n’est pas forcément heureux et blablabla.

Alors pourquoi ça n’a pas pris sur moi ? A vrai dire je n’ai pas vraiment l’explication. Je sais que les attermoiements sexuelo-sentimentaux de ces insatisfaits chroniques (Vicky est sur le point de se marier mais tombe amoureuse de Juan-Antonio, Cristina couche puis vit avec Juan-Antonio qui aime toujours son ex-femme suicidaire qui débarque etc) ne m’ont jamais émue. Si aucun personnage n’est antipathique, aucun non plus n’est vraiment touchant et ça m’a gênée. Ils sont pourtant tous « géniaux » on nous l’affirme, en peinture, en photographie en littérature. Et moi je n’ai vu que de oisifs bourgeois frustrés et inquiets qui n’ont plus rien à voir avec les sublimes névrosés new-yorkais qui pétaient aussi dans la soie certes mais avec tant de vivacité, d’intelligence et d’humour que ça les rendait fascinants et drôles. Ici, je n’ai pas ri, pas une fois, pas été émue, jamais.

Cela dit, si Vicky (Rebecca Hall) est plutôt fade, Penelope Cruz « horripilamment » hystérique, Javier Bardem est très bien et Scarlett Johansonn très très bien.

Dernière chose, comme Woody je suis convaincue que l’amour c’est primordial, vital…Je sais, ça n’explique ni n’excuse mon rejet de ce film. J’en suis la première surprise et la déception est à la hauteur de l’attente.

En repérage dans un magasin de pompes funèbres pour son prochain film, le réalisateur Bertrand (mouarf, trop drôle !) se fait malencontreusement enfermé dans un cercueil. Contrairement à Black Mamba, il n’a pas été éduqué à l’art d’ouvrir un cercueil avec les doigts, il est donc contraint d’y passer la nuit. Brrrr, j’ai peur. Lorsqu’il sort le lendemain, il est un peu choqué et souhaite retrouver l’état d’hébétude dans lequel il était. Ça tombe bien, Mathieu Amalric a pile poil le regard qu’il faut pour jouer l’hébétude pendant deux heures dix (c’est long !). Bon, il veut bien retrouver cet état mais il ne veut pas repasser la nuit dans le cercueil parce qu’en plus, c’est con, il ne sait pas nager. Mais, la vie est parfois bien faite et il rencontre TrucMuche (c’est Guillaume Depardieu, et malgré tout sa présence est toujours magique, c’est comme ça) qui lui dit « suis moi mon gars, j’ai ce qu’il te faut ». Et voilà notre Bertrand intégré dans une secte « bienvenue mon frère » dont la devise est « quand on ne jouit pas on se repose » avec à sa tête, une allumée qui se bande les seins avant de composer des morceaux abscons sur son orgue bontempi (Asia Argento, comme d’hab’, fatigante et toujours phonétiquement incompréhensible).

La vie dans le château, oups pardon « Le royaume » est simple : on boit, on dort, on danse, on écoute la chef lire des textes pornos en se carressant le bras, on écoute Mozart en prenant des poses alanguies, on assure qu’on est joyeux (alors que tout prouve le contraire et surtout la gueule d’enterrement que tout le monde tire). Parfois toute la clique se rend dans les bois et entre en transe jusqu’à tomber au son de musiques tribales, ou se met à ramper en treillis dans la boue, ou à se tirer dessus dans des tranchées improvisées.

C’est la guerre, bordel ! Vous avez lu le titre ou il faut que je vous fasse un dessin ?

Parfois aussi, un jeune gars se suicide mais ce n’est rien, on le fout à l’eau pour s’en débarrasser… Des trucs chouettes quoi.

Soudain, Bertrand/Mathieu se transforme en Martin Sheen et veut tuer le colonel Kurtz. Alors, on entend la voix de Marlon Brando et Michel Piccoli se lève de son lit pour dire qu’il est le Messie. Aurore Clément pique sa crise parce qu’elle se souvient qu’elle a tourné dans « Apocalypse Now » mais que toutes ses scènes ont été coupées au montage. Bertrand tue le Colonel Kurtz qui fait des bruits de lion et du coup il devient Capitaine alors qu’il ne fait même plus partie de cette putain d’armée.

En fait, le seul grand malheur de Bertrand, il le dit à plusieurs reprises « c’est de ne pas savoir chanter » et surtout de ne pas chanter comme Bob Dylan. Mais je vous jure la vie c’est que du bonheur. A la fin, il écoute son poste et qui c’est qui chante dans le poste ??? Bob Dylan.

Quelque chose a dû m’échapper car je me suis retrouvée dans le même état que lorsque j’ai vu « Inland Empire » de David Lynch. Un peu énervée. Mais les lapins de Lynch m’avaient fait rigoler, le lapin de Bonnello ne m’a pas fait rire du tout. Et au fait, pourquoi ne s’applique t’il pas la réplique qu’il fait dire à son acteur « tout le monde fait des films alors ça va, pas un de plus » ?

Judith a la cinquantaine resplendissante des femmes sûres d’elles et elle est responsable d’une petite entreprise qu’elle mène de main de maître avec sa sœur, amie et confidente Irène : une émission de téléachat. Toutes les deux ont un point commun : elles ont trop souffert en amour. Alors qu’Irène attend toujours l’amour avec un grand Ta, Judith a choisi de payer pour rencontrer des jeunes gens, prendre du plaisir avec eux et que ça s’arrête là. L’amour sans les ennuis qui vont avec, c’est pas mal. Elle devient la cliente régulière de Marco/Patrick marié et amoureux de sa femme, Fanny. Cette dernière n’est pas au courant de la manière dont son mari ramène l’argent à la maison et surtout pour payer les traites de son salon de coiffure. Lorsqu’elle l’apprend, tout est bouleversé. L’amour s’en mêle !!!

Les bonnes intentions (et les bons sujets) ne font pas les grands films. C’est le cas ici. Malgré ce qui agace un peu : le choix de la musique (un rap assourdissant et une chansonnette débile des années 60 ou 70 que vous aurez en tête jusqu’au lendemain parole d’honneur !!!), la place considérable prise par les seconds rôles qui n’apportent RIEN à l’histoire mais l’encombrent en l’alourdissant (la co-animatrice sosotte qui change de fiancé comme de déprime, l’ami qui fait des chantiers, l’assistant homo…), certaines scènes répétitives de repas dans une HLM de banlieue qui tournent immanquablement à la bagarre rangée, une escapade en Arizona très jolie mais inutile… et la voix off des personnages principaux qui nous commentent ce qu’ils pensent alors que les merveilleux acteurs présents à l’écran nous les exposent clairement. Et bien malgré tout ceci c’est quand même l’impression de sympathie qui l’emporte. Car lorsque Josiane se concentre sur les rapports des 4 personnages principaux, elle fait souvent mouche. De belles scènes drôles, réalistes et émouvantes entre les deux sœurs démontrent la complicité de deux actrices aussi différentes et talentueuses que Josiane Balasko et Nathalie Baye. Isabelle Carré, qui semble pouvoir tout jouer, est ici une petite balieusarde amoureuse, perchée sur des talons de 15 centimètres très surprenante.

Mais surtout c’est entre Judith (Nathalie Baye, exceptionnelle) et Marco (Eric Caravaca, adorable) que tout se joue. Leurs scènes, malgré le sujet qui aurait pu être graveleux, sont pleines de justesse et de délicatesse. Il est dommage que la réalisatrice se soit éparpillée au lieu de se concentrer sur eux mais au final, c’est un film d’amour (celui qui n’a pas d’âge…) où personne n'a le "mauvais" rôle, qu’elle nous offre avec son cœur de midinette gros comme ça.

Séraphine s’épuise à « faire des ménages » chez des bourgeois qui la méprisent dans un village où à peu près tout le monde se moque d’elle. C’est vrai qu’elle est étrange, qu’elle imprime de son pas lourd la campagne pour grimper et parler aux arbres et aux oiseaux, qu’elle se baigne nue dans la rivière et qu’à l’église elle parle à la Sainte Vierge. Séraphine s’en fiche, elle a une passion, un secret. A la nuit tombée, elle peint dans sa chambre minuscule en chantant des chants grégoriens. Autodidacte mystique et solitaire qui trouve son inspiration chez les anges qui animent son imagination, elle fabrique sa peinture elle-même à base de boue, d’huile, de sang et peint des fleurs, des fruits, des oiseaux sur des planches de bois. Elle devient par hasard la « bonne » du collectionneur allemand Wilhelm Uhde (qui lui aussi à un secret) en 1912. Il n’est autre que le premier acheteur de Picasso et le découvreur du Douanier Rousseau. Lorsqu’il va remarquer une petite toile peinte sur bois, ce marchand d’art visionnaire va immédiatement déceler le génie de son auteure, stupéfait d’apprendre qu’il s’agisse de Séraphine. Au début réticente, elle va finalement admettre que l’homme aime réellement son travail. Il va l’aider, l’encourager, la financer, mais la guerre éclate et Uhde est contraint de regagner l’Allemagne à la hâte. Séraphine va continuer à peindre dans le plus grand dénuement. Ils ne se retrouveront qu’une quinzaine d’années plus tard… l’aventure de Séraphine se poursuit mais de plus en plus dévote et exaltée elle sombrera dans la folie.

Malgré la misère et le désespoir qui enveloppent le destin hors du commun de cette artiste inconnue (de moi en tout cas) on respire, on s’éblouit et on espère tout au long du film car Martin Provost nous promène longuement, langoureusement dans une campagne somptueuse qui décline toutes les nuances du vert indissociable de la vie, de la résistance et de la patience de son héroïne. Je suppose qu’il doit beaucoup à son étonnante et magique interprète, Yolande Moreau qui incarne avec force, humilité et toute la grâce poétique qu’on lui connaît cette femme artiste incomprise, inspirée et supra-sensible. Sa relation avec le personnage de Uhde et l’acteur Ulrich Tukur faite de reconnaissance et d’admiration réciproques porte l’émotion à un degré élevé. Lorsqu’ils sont ensemble, on est submergé et malgré la durée du film, on a beaucoup de mal à les quitter. C’est sublime.

Vers 1880, Randall Bragg sème la terreur avec sa bande de furieux dans une petite ville du Nouveau-Mexique, Appaloosa (c’est rien de dire que cette ville est le ass hole du monde). Virgil Cole et son adjoint de longue date Everett Hitch, impitoyables as de la gâchette et enragés de l’ordre, y sont engagés pour rétablir le calme. Ils ont carte blanche pour employer la méthode de leur choix. Alors qu’ils ont réussi à capturer le méchant et après qu’un procès bâclé le condamne à mort, ce dernier parvient à s’échapper. Survient une belle, mystérieuse et pas farouche jeune femme libre comme l’air, toujours d’accord avec le dernier qui l’embrasse, dont Virgil tombe fou amoureux. Tous les ingrédients sont réunis pour cette nouvelle page de l’histoire de l’ouest américain…

Vous redirai-je une fois encore que dans un western je me sens comme chez moi ? Non, bon, tant pis. Cela dit à l’ouest, rien de nouveau. Tout est là comme si rien n’avait bougé, les cow-boys, les indiens, les voies ferrées, le saloon, les colts, les méchants très méchants, les gentils pas si gentils, les filles perdues, la femme fatale, la ville au milieu de nulle part, le soleil, la poussière, les grands espaces, les duels (expédiés ici) et j’en oublie et je ne m’en lasse pas ! Et pourquoi ce nouvel opus de la conquête de l’ouest est-il sublime ? Parce que.

Plutôt que de tenter de renouveler un genre qu’on ne cesse de clamer moribond, Ed Harris lui rend manifestement un éclatant hommage en nous offrant un film tranquille, classique mais passionnant où la violence, les sentiments et l’humour sont omniprésents.

Le casting prestigieux n’est évidemment pas étranger à cette réussite. Jeremy Irons en méchant cruel impose avec classe son apparente indolence. Renee Zelwegger (meilleure de film en film) est parfaite en femme solitaire et complexe. Mais évidemment le duo de choc, c’est Ed Harris et Viggo Mortensen qui le composent. La complicité, la connivence qui les unissent, l’amitié sans faille, le dévouement voire la dévotion des personnages l’un par rapport à l’autre font réellement merveille à l’écran. Quant à la nonchalance de Viggo/Everett qui vient sans cesse au secours de Ed/Virgil qui a un mal de chien à finir ses phrases, elle est à mourir de rire ! Deux prodigieux acteurs pour un grand film.

New-York, été 1994. Luke passe son temps à dealer pour arrondir les fins de mois difficiles de sa famille. Il deale également ses séances de psy en échange d’herbe. Il tombe amoureux de Stéphanie fille sublime mais pas très sentimentale. Le maire Giulani instaure une police de plus en plus répressive, et voilà, juin, juillet et août passent…

Malgré une interprétation plaisante et même mieux que ça de la part des deux petits jeunots Josh Peck et Olivia Thirlby (Ben Kingsley lui, cabotine au-delà de ce qui est supportable), je ne peux pas dire que je sois entrée dans ce trip caniculaire shooté aux joints et pétards et dopé par une bande son hip hop qui n’est pas ma came ! De jolis moments mélancoliques où les garçons ont le cœur brisé viennent rehausser l’ensemble vraiment mou du genou.

Et n'oubliez pas, ce soir c'est sur France 3 à 20 h 50 que ça se passe...

Redire qu’il était mon acteur préféré n’a aucune importance, c’est pourtant le cas alors forcément la sensation est étrange alors que je rêvais encore d’une ultime rencontre avec son ami Robert Redford pour ce projet de western écolo… Je vous renvoie à tous vos journaux qui ne manqueront pas de détailler quel homme bien il fut, en plus de l’acteur exceptionnel au sommet d’une carrière de 55 années.

 Il avait de solides convictions démocrates, il a joué un rôle important dans le Mouvement pour les droits civiques, participé à certaines campagnes du Parti démocrate et pris part à des conférences pour le désarmement nucléaire. Il se fichait éperdument d’Hollywood et avait même brûlé son smoking car les mondanités le mettaient mal à l’aise. Il avait cependant reçu trois Oscars, un pour l’ensemble de sa carrière en 1986, un autre comme meilleur acteur pour « La couleur de l’argent », de Martin Scorsese, l’année suivante, et un dernier, en 1994, au titre de ses actions humanitaires. Il était en effet fortement engagé dans des activités caritatives, et sa société de produits alimentaires «Newman’s own», qui fabrique entre autres des sauces reverse 100 % de ses bénéfices à des œuvres, faisant de lui l’un des philanthropes les plus généreux de son pays.

Il formait en outre depuis 1958 avec l’actrice Johanne Woodward l’un des couples les plus célèbres et solides d’Hollywood.

Je ne peux que saluer l’excellent choix de France Télévision qui nous offre de revoir ce soir sur France 2 « La couleur de l’argent » de Martin Scorsese et mardi prochain « L’Arnaque » de George Roy Hill sur France 3.

Je sens que vous brûlez de savoir quel était mon film préféré… Question insoluble. Disons que j’ai un gros faible pour « L’arnaque » mais aussi « Butch Cassidy et le Kid », son interprétation époustouflante d’Ari Ben Canaan dans « Exodus » et je revois cette scène magique du « Rideau déchiré » d’Hitchcock où en haut d’une colline il dit qu’il aime la femme qu’il aime sans pouvoir la toucher… La plupart des films qu’il a tournés sont exemplaires et même les films médiocres il les tirait vers le haut car il avait quelque chose en plus que les autres n’ont pas, une chose indéfinissable, insaisissable et unique… 

Paris 1936, 3 amis se retrouvent au chômage après que le cabaret où ils travaillaient a fermé. Le moment d’abattement passé, ils vont tout faire pour tenter de redonner vie au spectacle. Ce ne sont pas les embûches, les contre-temps et les coups du sort qui vont faire défaut...

Tout est impeccable dans ce beau film qui semble revendiquer un petit air plaisamment vieillot. Tout est parfait, l’ambiance, la reconstitution de Paris, ses pavés, ses escaliers, ses toits, à mi chemin entre « Moulin Rouge » et « French Cancan », le climat social, l’allure résolument « titi » des énergiques interprètes, les chansons drôles, tristes à pleurer ou réalistes qui semblent dater des années 30 (alors que pas), les morceaux de music-hall follement dynamiques et colorés qui donnent des fourmis dans les pattes, les sketches pas toujours finauds mais qui faisaient s’éclourer de rire des salles entières. Il ne manque rien ou presque ou seulement une chose qui me semble essentielle et m’a retenue de voir le grand film populaire que j’attendais : l’émotion ! En effet, malgré toutes les difficultés, les complications, les empêchements et les drames qui se nouent sous nos yeux, ils restent désespérement secs et le cœur ne palpite pas.

Dommage, mais en tout cas, l’interprétation brillante n’y est pour rien car chacun des acteurs (qui poussent tous la chansonnette) est un virtuose dans sa partition. Comme il faudrait les citer tous et détailler leurs talents (ce qui serait trop long) je n’en citerai que deux : le tout jeune Maxence Perrin (déjà adorable Jojo dans « Les Choristes ») et surtout, surtout Nora Arnezeder, toute jeune  et sublime nouvelle venue de 18 ans, qui maîtrise aussi bien le chant que la comédie et est le véritable soleil de ce faubourg. Une révélation.

Cela dit je souhaite à ce film le même succès que celui des Choristes, précédent film de Christophe Barratier, et je ne saurais le déconseiller car le pari est osé de réaliser un film aussi spectaculaire et dont l'ampleur des séquences musicales va crescendo.