18 février 1918 - 10 novembre 2006

Les plus jeunes ne le connaissent sûrement pas mais il fut LE second rôle magnifique, l'éternelle "sale gueule" du cinéma américain celui qui peupla de cauchemars mes rêves cinéphiles. Il avait fait un retour remarqué, drôle et étonnamment doux en 1988 dans "Bagdad Café".

Pour en savoir plus, cliquez ici.

20 février 1925/20 novembre 2006.

Il a dit : 

« La réalisation est la chance d'avoir plusieurs vies. »

Réalisateur, producteur et scénariste, il a fait tourner les plus grands, il était éclectique et son oeuvre est parsemée de pépites (Mash, John Mc Cabe, Cookies fortune etc...) mais pour moi la perle des perles reste "THE PLAYER" où il osait s'attaquer à Hollywood et au mythe avec son regard cynique et unique. Le plan séquence d'ouverture reste un choc pour moi.

Son dernier film, avec Meryl Streep "The last show" sortira le 6 décembre.

Pour une biographie plus complète, vous pouvez voir ici.

Hier, j’ai joué « l’accompagnatrice » de Jean-Pierre Améris et ce fut passionnant, ce rôle me plaît.

Deux séances du (beau) film de Jean-Pierre Améris (pour voir mon avis cliquez ici) étaient suivies d’un débat avec le réalisateur. En début d’après-midi, ce sont les scolaires qui ont bénéficié d’une projection et cette histoire basée sur les peurs enfantines incontrôlables leur plaît beaucoup car ils peuvent sans difficulté s’identifier à la petite héroïne, Alba-Gaia qui avait 10 ans au moment du tournage. Les questions fusent de façon ininterrompue et on est obligé d’interrompre les enfants car ils doivent retourner à l’école. Les questions sont précises et s’attardent aux détails et aux rapports/différences entre fiction et réalité : est-ce que ce sont de vraies images ? Est-ce une vraie famille ? Est-ce que la petite fille a pu emmener le chien à la fin ? Comment a-t-elle fait pour monter sur le toit ? Est-ce que vous avez vraiment tourné sous l’orage ? etc…

Jean-Pierre Améris, doux, calme et pédagogue s’attarde avec attention et précision sur chaque question et considère chaque enfant avec beaucoup d’égard et de respect. Les enfants apprécient. Leurs questions permettent au réalisateur de parler du fond mais également de la forme du film et des différents métiers du cinéma qui entrent en jeu pour sa construction, depuis le casting et les essais de 300 fillettes pour trouver cette perle d’Alba-Gaïa, jusqu’aux effets spéciaux, aux éclairages, au bruitage, aux costumes… aux contraintes aussi de tourner avec une petite fille qui doit, en plus des 6 ou 7 heures de tournage quotidien être suivie par un instituteur.

Vous pouvez sans hésiter emmener vos enfants à partir de 8 ans car les adultes peuvent également sans difficulté s’identifier et se souvenir de l’enfant qu’ils ont été.

Les questions « adultes » de la projection de soirée sont différentes et permettent à Jean-Pierre Améris d’expliquer ce qui l’a profondément touché dans ce (beau) roman d’Anne Wiazemski dont le film est tiré. Et là le réalisateur n’hésite pas à révéler l’intime qui résonne en chacun de nous : l’angoisse de la séparation des parents, l’épouvante que provoquent certains escaliers ou certains papiers peints habités de monstres, la difficulté d’être un souffre-douleur, et la solitude des enfants qui gardent toute cette détresse en eux alors que leurs parents, trente ans plus tard leur assurent : « mais tu aurais dû nous en parler ! ». C’est un film à la fois lumineux et plein d’inquiétude, plein d’imagination et à la limite du fantastique, un film où les portes jouent un rôle primordial… Les hypothèses des enfants sont infinies dès qu’il s’agit d’envisager ce qui se trouve derrière la porte d’un grenier, d’une maison « hantée », ou derrière une petite porte discrète et mystérieuse au milieu d’un grand mur blanc.

Au-delà de ce film précis, Jean-Pierre Améris parle du bonheur indispensable, vital pour lui de « faire » du cinéma mais aussi de l’anxiété et de l’inquiétude que cela génère… car si toutes les personnes qui sortent des salles sont enchantées et convaincues d’avoir vu un très beau film, il ne bénéficie hélas pas de la « promotion » qu’il aurait mérité.

Jean-Pierre Améris parcourt la France jusqu’à Noël pour présenter son film. S’il passe dans votre ville, allez le rencontrer et discutez avec lui, car il aime échanger avec ceux qui, comme lui, aiment le cinéma. Il aime et sait en parler. C’est sensible, vibrant et passionnant.

Il sera aujourd’hui (mardi 21 novembre) à Tours, demain mercredi à Nîmes et lundi à Strasbourg.

Je vous communiquerai le programme plus précis des prochaines dates.

Le colonel Duplan est retrouvé mort chez lui, assassiné. Une lettre anonyme parvient à la police : « Le colonel est mort à saint Arnaud ». Nous sommes en 95 à Paris et le film est construit en flash-back en un thriller passionnant visant à reconstituer le parcours du colonel qui était en poste en Algérie en 57.

S’attaquer au fantôme du cinéma français, la guerre d’Algérie, longtemps appelée « les évènements » est déjà une prouesse mais en tirer un film, polar historique courageux, d’une telle qualité en est une autre.

Olivier Gourmet EST ce colonel raide et autoritaire, pervers mais pas (forcément) sadique en première ligne face à un état-major et un gouvernement hypocrites qui donnent leur accord sur l’indicible par des métaphores. Lui, prendra ses responsabilités et les décisions. Même si jamais on ne l’excuse (comment pourrait-on), au moins explique t’il chacune de ses répugnantes décisions. Olivier Gourmet est exceptionnel.

Face à ce colonel manipulateur, le jeune officier juriste Rossi (Robinson Stevenin, remarquable aussi) engagé volontaire suite à une déception amoureuse, humain et idéaliste deviendra bourreau à son tour. Il assumera difficilement son rôle et les ordres qui le font vomir mais les appliquera consciencieusement et plus ou moins inconsciemment en poussant l’hypocrisie jusqu’à prendre soin des torturés en les confiant à un médecin.

Laurent Herbiet n’insiste pas sur les scènes de torture dont il ne fait pas un spectacle. Cela n’en reste pas moins insoutenable.

Betty est une petite fille de 10 ans impressionnable, fantasque et mélancolique. Quand sa grande sœur dont elle se sentait proche quitte la maison pour aller en pension elle se retrouve seule avec des parents en pleine crise conjugale et une rentrée des classes à affronter. Elle va rencontrer et cacher Yvon, jeune « fou » échappé de l’asile psychiatrique dont son père, psychiatre est directeur. Entre les deux, la confiance et l’amitié s’installent pendant que l’aventure s’organise car Betty a l’imagination débordante dès qu’il s’agit de défendre son protégé.

Voilà un beau film tendre, simple et profond porté par une petite fille (Alba Gaïa Kraghede Bellugi), une merveille, frémissante, triste et lumineuse. Aucun pathos dans cette chronique de l’enfance qui souffre à cause de parents, affectueux mais inattentifs, qui ne savent ni entendre ni voir les craintes et les douleurs de leur enfant. Les bruits, les ombres, les lumières tout est prétexte à effrayer Betty que personne ne peut rassurer. Lorsque son père lui explique qu’un « fou » est un être démuni, elle assène cette sentence : « Je vais devenir folle. Moi aussi je suis démunie ».

Il se dégage de cette histoire une grâce qui emporte parfois à la lisière du fantastique, en partie parce qu’elle reste constamment à hauteur de son incroyable héroïne et qu’aux yeux de cette enfant émotive, la nuit, les étoiles, la lune, le vent dans les arbres prennent parfois des allures de fantasmagorie. Un charme indiscutable se dégage de ce film jusque dans son séduisant et très bienvenu côté rétro.

Elégant et sensible, il ressemble à son auteur.

C’est osé de terminer un film par ces mots : « vous n’avez pas envie de comprendre, vous avez envie d’être dupé »… surtout quand il s’agit d’un film qui semble se moquer si ouvertement du spectateur égaré dans la salle.

Deux magiciens à Londres au début du XXème siècle subjuguent les foules par leurs tours ! Mouais. Une haine et une lutte sans merci pour obtenir les « trucs » de l’autre vont les opposer. Tous les coups (surtout les plus bas) sont permis, jusqu’au crime tant qu’on y est.

De là s’ensuit la répétition une bonne vingtaine de fois du même « tour » (plutôt minable à mon avis.. même Garcimore en son temps m’avait épatée…) appelé successivement « L’homme porté », « Le nouvel homme porté » et enfin « Le véritable homme porté ». Qui est qui ? Qui est dans la boîte ? Qui est mort, qui est vivant ? Je dirais que c’est un peu comme le sort d’Elizabeth Short récemment : ON S’EN FOUT !

Mais, heureusement Londres, humide, ocre et sombre est bien reconstituée et surtout, surtout on peut assister à un véritable défilé de bons et beaux acteurs : Hugh Jackman (il fait chaud), Christian Bale (il fait très chaud), David Bowie, Michaël Caine, Scarlett Johanson, Andy Serkis (Gollum). Le réalisateur c’est Christopher Nolan, responsable du cultissime et autrement plus sophistiqué « Memento » ainsi que du brillant « Batman begins »… donc, on l’attend !

Un peu d’histoire pour commencer et comprendre : « La tour de Babel était selon la Genèse une tour que souhaitaient construire les hommes pour atteindre le ciel. Ces hommes étaient alors les descendants de Noé, ils représentaient donc l'humanité entière et parlaient tous la même et unique langue sur Terre. Pour contrecarrer leur projet, Dieu multiplia les langues afin que les hommes ne se comprennent plus… » No comment, c’est signé Dieu : pas de surprise !

Venons en au film.

Un couple de touristes américains plein de chagrin au Maroc, un coup de feu en plein désert, une nourrice en situation irrégulière, deux enfants blonds perdus dans le désert mexicain, une adolescente japonaise sourde et rebelle… Qu’est-ce qui relie ces trois continents, ces quelques destins ? Qu’est-ce qui les sépare ?

La douleur, l’isolement, l’incompréhension !

A l’heure d’Internet et des moyens de communication en tout genre qui permettent à l’information (souvent déformée…) de circuler quasiment instantanément, Inarritu nous démontre de façon implacable que la barrière de la langue, de la culture peut être insurmontable, que les a priori et lieux communs ont la vie dure. Que ceux qui n’entendent pas ne sont pas forcément sourds, que personne n’écoute personne et se comprend encore moins.

La démonstration est efficace, féroce et accablante. C’est beau et virtuose car c’est aussi un film qui n’abandonne pas son spectateur en chemin bien qu’il franchisse les continents. C’est une œuvre triste et belle et aussi pleine d’espoir car au-delà des chocs, des blessures et des chagrins insurmontables, chacun découvre que l’autre lui est indispensable et combien il l’aime.

Cadeau supplémentaire : un grand et beau Brad Pitt, tout en rides et tempes grisonnantes et admirablement dirigé. C’est beau un acteur qui grandit en vieillissant et réciproquement.

Une vision ne semble pas suffisante pour intégrer toute la portée de ce film douloureux qui crie ou chuchote son désespoir, chaotique, virtuose et perturbant.

Pouh !

C’est un film de Richard Bohringer, acteur, chanteur et réalisateur franco-sénégalais, donc c’est un film qui a les yeux délavés, un regard et un sourire d’enfant. C’est un film poétique, rocky, jazzy, bluzy, total foutraque, qui part sur les routes parce que le chagrin, ça fait de la peine et réciproquement. C’est un film qui dit « ils sont venus, ils sont tous là », les amis, les potos, les frérots, les paulots : Robinson Stévenin (lumineusement radieux), François Négret (sosie étonnant de Bohringer jeune), Luc Thuillier (émouvant clone de Mickey Rourke), Jacques Spiesser (toujours plein de douce amertume), Annie Girardot, Annie Cordy (forcément émouvantes), Farid Chopel (un sourire) etc…

Et Romane, ah Romane !!!

C’est un film énergique, sincère, désespérément plein d’espoir qui ressemble à son réalisateur mais en fait… j’ose le dire, ce n’est pas un film.

L’époque des films de guerre qui nous présentent des hommes qui y vont la fleur au fusil en poussant des cris guerriers et/ou patriotiques semble bien révolue, et c’est tant mieux. Voici une nouvelle démonstration où des hommes plongés dans le chaos du monde ont pour préoccupation principale de sauver leur peau. Le reste du temps, ils crèvent de trouille avant d’aller se faire massacrer sous les ordres d’un état-major bas de plafond. Quant aux survivants, ils sont la proie de séquelles physiques ou psychiques indélébiles.

C’est aux conséquences psychologiques que s’intéresse ce film. Au temps où la psychiatrie n’en est qu’à ses balbutiements et où seules les blessures des « gueules cassées » sont reconnues, un professeur va s’attacher au cas d’Antonin revenu du front, halluciné et traumatisé, bégayant de façon obsessionnelle cinq prénoms et cinq gestes. En privilégiant les blessures de l’âme, le réalisateur offre un film de guerre atypique, sensible avec, comme il se doit, une vision de l’horreur à la limite du supportable parfois.

Grégory Derangère est Antonin, fiévreux et hypersensible comme toujours.